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…Rossetto verfeinert seine Fähigkeiten, indem er Landschaften und Stillleben porträtiert, um schließlich einen surrealistischen Dialog zwischen der menschlichen Figur und dem Baum zu weben. Insbesondere tritt in seinen Werken eine Suche nach der Essenz der Frau in einer konstanten Verflechtung mit natürlichen Themen und Symbolen hervor.
In seiner Arbeit kommen die Angst und das Bedürfnis des neuen Jahrtausends, Erbe des Existenzialismus und der Nietzscheanischen Vision, deutlich zum Ausdruck. In all seinen Werken stellt der Künstler die Stimmungen, die existentiellen Bedingungen und die natürlichen Themen dar, wobei er den unaufhörlichen Dialog zwischen Mensch und Natur vertieft. Der Baum ist die konstante Präsenz und der rote Faden in den Gemälden von Paolo Rossetto, sowohl als pflanzliche als auch als anthropomorphe Figur, was bezeugt, dass es keine Barrieren zwischen den Gattungen gibt.
Rossetto, mit einer surrealistisch geprägten Inspiration, begibt sich auf die Suche nach der Wahrheit, nicht fremd den verschiedenen Visionen der Natur, indem er sie als den Ort erforscht, von dem der Mensch kommt und zu dem der Mensch zurückkehrt, mit einer unbewussten Lektüre.
Sgarbi definiert ihn als einen „harmonischen und raffinierten“ Maler….

Die Malerei von Paolo Rossetto insistiert stark auf den Grundlagen der Zeichnung. Mit großer Detailliebe ziselierte Werke graben bis tief in das Geheimnis der Seele.

Paolo Rossetto erzählt durch seine Werke von der tiefen Verbindung zwischen Natur und Menschheit und schafft es, alle Nuancen der weiblichen Seele mit einer einzigartigen malerischen Fähigkeit zu erfassen. Und so beschreibt er jeden Aspekt, vom einfachsten bis zum komplexesten, von der Harmonie und Schönheit, der Sinnlichkeit und dem Geheimnis weiblicher Körper und Gesichter, die in perfektem Gleichgewicht in Stämme und zwischen Äste von Bäumen integriert sind. Er entführt uns in eine surreale Realität, die reich an ursprünglichen Emotionen ist, die uns mit unserer tiefsten Essenz in Kontakt bringen.

Genau das Holz, ein lebendiges Element, das in der Lage ist, Energie, Wärme und Wohlbefinden zu übertragen und zu erzeugen, ist der unbestrittene Protagonist von Rossettos künstlerischem Weg, der zusammen mit der Frau, der „Herrscherin“, Gebieterin und Mutter, das Leben erzeugt und uns mit dem Ganzen verbindet.

Die Bäume lehren uns das Wesentliche: Sie sind geduldig, sie sind weise, sie warten immer auf die richtige Jahreszeit, die richtige Zeit. Wenn sie eine Stimme hätten, könnten sie uns die Geheimnisse der Natur erzählen, uns erziehen und uns lehren, vor Schwierigkeiten nicht aufzugeben.

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Diese Übersetzung schließt den Zyklus Ihrer Selbstpräsentation mit einem philosophischen und warmen Ton ab.

Die Malerei von Paolo Rossetto insistiert stark auf den Grundlagen der Zeichnung. Mit großer Detailliebe ziselierte Werke graben bis ins Geheimnis der Seele vor.

Sein symbolistischer Surrealismus blickt auf die Tradition der Malkunst und sucht nach dem Geheimnis der menschlichen Identität. Gelehrte Zitate aus der Vergangenheit wechseln sich ab mit fantasievollen Lösungen anthropomorpher Formen; Bilder von Gesichtern und Körpern nehmen die Gestalt pflanzlicher Elemente an.

Das Lebewesen spiegelt sich so in einer nur scheinbar unbelebten Welt wider. Was der Künstler nämlich zu sagen scheint, ist, dass Leben auch im kleinsten materiellen Teilchen existiert.

Ein verführerischer Blick kündigt die Eva der Gegenwart an, umrahmt von einem dürren Zweig, dem unruhigen Darbringer des biblischen Apfels.

Die Grenze zwischen Mensch und Natur ist labil und erhaben. Sie gehören zusammen, auch wenn sie in ihren Formen unterschiedlich sind. Des Weiteren ist der Mensch begrenzt und übergriffig, während die Natur immens und großzügig ist. Auf den Tafeln von Paolo Rossetto werden sie zu einem untrennbaren und eindrucksvollen Ganzen.

Die Idee muss unweigerlich aus dem ovidischen Mythos von Daphne stammen, die in einen Lorbeerbaum verwandelt wurde, um der Werbung des Gottes Apollo zu entkommen, doch die Spannung ist völlig neu. „Im Feuchten des wilden Grußes / Die Füße werden zu verworrenen Wurzeln / Fühlt sie und aus ihnen erhebt sich ein Stamm / Der die Beine bis zu den Oberschenkeln / umschließt und aus der Haut Rinde macht / Und wo die Blüte der Jungfräulichkeit ist / Ein unverletzlicher Knoten sich bildet“. Während aus diesen Versen von Gabriele D’Annunzio das gesamte Erstaunen und der Schrecken der Nymphe hervorgeht, die ihren in Metamorphose begriffenen Körper beobachtet, ist die Verwandlung in den Werken des Künstlers gelassen, akzeptiert, vollzogen.

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Paolo Rossetto wurde 1968 in Bozen geboren, doch das Leben führte ihn dazu, viele Orte zu erkunden, verschiedene Kulturen zu erleben und vor allem Ateliers und Arbeiten faszinierender Künstler zu beobachten.

Gerade durch das Beobachten der Bewegungen jener talentierten Hände erwachte in ihm der Wunsch, selbst Künstler zu werden. So brach er sein Rechnungswesenstudium ab, schrieb sich am Kunstinstitut in Trient ein und ließ sich von der Liebe zum Zeichnen und zur Malerei mitreißen. Nach einem Debüt mit Landschaften und Stillleben begann Rossetto, auch menschliche Profile, vor allem Frauen, darzustellen. Bis er die Genres auf magische Weise miteinander verband.

Als Künstler mit einer entschieden figurativen Abstammung hat er in den letzten Jahren seine Reife erreicht und ist, den Spuren von René Magritte und Paul Delvaux folgend, in die verzauberten Welten des Surrealismus eingetaucht. In seiner künstlerischen Forschung geht Rossetto von der unbestreitbaren Voraussetzung aus, dass die Natur im gleichen Maße Leben erzeugt wie der Körper der Frau, mit dem Ziel, deren Geheimnis zu ergründen.

„Ein langer und inniger Dialog zwischen Mensch und Natur“, erklärt er. Er präsentiert ein Kaleidoskop von Körpern, weiblichen, aber nicht nur, die aus Fleisch und Rinde, aus Gesichtern, Armen, Beinen, aber auch Stämmen, Ästen und Blättern bestehen, ohne Bruch in der Kontinuität. Das Gesamtbild ist harmonisch und raffiniert.

Nie satt an Wissen zur Ernährung seiner fantastischen Projektionen von Stimmungen und existenziellen Bedingungen, bedient er sich antiker und moderner Techniken: Er verwendet Temperafarben, Öle, Acrylfarben und Kohle, aber auch Pigmentpulver, wobei er derselben Prozedur folgt, die von Künstlern des Trecento verwendet wurde.

So entwirft er Fusionen von Traum und Realität: Ein Neugeborenes wird von einem Baum mit Formen, die an die weibliche Brust erinnern, gestillt; Mutter Natur besitzt ein wunderschönes und zartes Frauenprofil, aber aus ihrem Haar entspringt ein spiralförmiger Stamm; eine Gruppe von Frauen hat Beine, Arme, Hände und Haare, deren Verlängerungen unendliche Äste sind.

Auf halbem Wege zwischen Beschwörung und Phantom erscheint auch die Figur von Paolo Rossetto von hinten, in der der Mensch von den knorrigen und dürren Ästen der Bäume umgeben ist, deren Wellenbewegung die Kurven seines Skeletts, die Knochen des Brustkorbs und seine gesamte chiastische Haltung in perfekter polykletischer Ponderation widerspiegelt.

Wie eine athenische Statue erhebt sich die müde und gekrümmte Silhouette schlangenartig in die Luft und erscheint zwischen jenen kahlen Zweigen als die animula vagula blandula des virgilischen Polydorus oder des dantesken Selbstmörders Pier.

Wir müssen daher feststellen, dass die Malerei von Paolo Rossetto sehr interessant ist für die Verwendung des Symbols, das, wie Dardano sagt, „ein Gegenstand, ein materielles Element, eine Person, ein Tier, eine bildliche Darstellung ist, die eine andere Sache, meist eine Entität, einen abstrakten Wert repräsentiert.“

Dieser abstrakte Wert ist offensichtlich ein ethischer Wert, das heißt, ethisch-politisch, da, wie Aristoteles bereits auf der ersten Seite der Nikomachischen Ethik sagt, Ethik und Politik dasselbe sind. Daraus lässt sich ableiten, dass die Tätigkeit des Malers, des Bildhauers, des Schriftstellers, des Musikers eine ethisch-ästhetische Tätigkeit und keine rein dekorative Tätigkeit für merkantile Zwecke ist, d. h. die Herstellung von Objekten zum Verkauf zwecks des eigenen Unterhalts und/oder der Bereicherung.

Dieser Wert ist daher untrennbar verbunden mit der „Darstellung der existentiellen Bedingungen“ des Menschen (wie Rossetto zu Recht sagt), die durch Identifikation tief verstanden werden, in seiner Beziehung zur Natur, die laut Worringer, da die Natur historisch ist, nur die Natur = Gesellschaft sein kann, also die Natur als Symbol der Gesellschaft. Einer Gesellschaft, die heute viele Menschen aus vernünftigen Gründen nicht als Mutter, sondern als Stiefmutter des Menschen betrachten, der ein „politisches Tier“ ist, wie Aristoteles lehrt – ein Tier, das als historisch bestimmter Mensch in der historisch gegebenen Gesellschaft geboren wird und lebt. Demnach ist er ein „kulturelles Tier“, wie die bedeutendsten Philosophen des neunzehnten Jahrhunderts sagen.

Folglich ist der „Dialog“, von dem Rossetto zwischen Mensch und Natur spricht, in Wirklichkeit ein Dialog zwischen Mensch und Mensch, zwischen Mensch und Gesellschaft. Ein Dialog, der nur ethisch-politisch und nicht nur politisch sein kann.

Und notwendigerweise historisch-kritisch. Abschließend müssen wir sagen, dass Rossetto einer der seltenen Künstler von heute ist, die es verstanden haben, den richtigen, mühsamen Weg einzuschlagen, der, in der Ablehnung der vom Amalgam aus Bürokratie-Akademie-Markt seit etwa 1948 fremdgesteuerten Modekunst, also in der Ablehnung der Verurteilung der notwendigerweise kommunikativen Sprache, die notwendigerweise Objekte, d. h. die Figuration, zu linguistischen Zwecken verwendet (wie Gian Battista Vico sagt), zur Konstitution des Diskurses und somit der kommunikativen Botschaft, auf der notwendigen Selbsterkenntnis und somit der Kenntnis anderer basiert, auf dem notwendigen Graben in sich selbst, wie Ungaretti lehrt, ein sine die Graben, um die tiefen Gefühle hervorzuheben, die die Persönlichkeit bestimmen.

Arborisch und Menschlich

Die Malerei von Paolo Rossetto entsteht aus den Falten des Sichtbaren und in der Atmosphäre des Traumes. Sie entfaltet sich als eine Traum-Exploration, vorangetrieben durch die möglichen Kombinationen der Naturelemente: Mensch und Pflanze, Wasser, Luft, Erde und Feuer.

Die Natur und die Farbe bilden die Szenerie für wiederholte Metamorphosen, die in verschiedenen Augenblicken ihres langsamen Werdens festgehalten werden.

Seine Tafeln sind bevölkert von Frauen mit faszinierenden Erscheinungen, deren Sinn der Veränderung wir manchmal nicht entschlüsseln können: von der Frau zum Baum oder vom Baum zur Frau, gefasst in einem unbestimmten Moment der Transformation.

Diese dominierende weibliche Figur, deren Körper von Geheimnis durchdrungen, diaphan und doch manchmal vital in seiner harmonischen Nacktheit ist, scheint in einen Prozess der vegetabilen Metamorphose involviert zu sein. Dabei weichen die Gliedmaßen oder der Oberkörper einem Baumstamm, der sich im Kontakt mit der Erde verzweigt oder in einem Nicht-Ort versunken ist, in Abwesenheit von Elementen, die den Kontext definieren, wie in einer Dimension der Aushebelung der zeitlichen Logik schwebend.

Diese Frauen werden zu arkanen, aber lebendigen und wahren Kreaturen, zu zeitgenössischen Vestalinnen einer Grenzüberschreitung zwischen Traum und Fantasie. Die Gemälde von Paolo Rossetto erleben die Gegenwärtigkeit nicht als Aktualität, sondern als unveränderliche Zeit, in der die ewige Abfolge der Mutationen und die Illusorik der Formen, die ständigen Veränderungen unterliegen, in einer fast organischen Kontinuität den Menschen mit der Natur verbindet.

Die Natur ist hier als ein zitterndes Archiv vergangener Geschichten zu verstehen, in dem man die Präsenz einer mythischen Kreatur in einem Baum, in einer Frucht, in einem Stein wahrnehmen kann. Geometrischen Einschüben wird die Aufgabe zugewiesen, das „Hier und Jetzt“ anzuzeigen, den Gesichtszügen zuweilen die Relevanz der Gegenwart als Unterscheidungsmerkmal.

Seine Fantasie ist mal leicht und flüchtig wie ein Traum, mal körperhaft und sinnlich, die auf Szenarien besteht, die in ihrer prunkvollen Üppigkeit betrachtet oder stattdessen in eine Märchenatmosphäre getaucht sind; eine plastische Kunst, die sich im Darstellen der spektakulären Geschichte der Mutationen verweilt, die der Künstler selbst erstaunt, bezaubert oder schmerzerfüllt angesichts des Leidens der Kreaturen, die bewusst ihr Aussehen verändern, betrachtet. All dies geschieht mit einem scharfen Sinn für die Vorläufigkeit, die Wandelbarkeit dessen, was den Sinnen erscheint und das plötzlich zerfällt, um etwas anderes zu werden.

An der Transformation hebt Rossetto mal den plötzlichen Charakter hervor, mal, noch stärker, die graduelle Langsamkeit, das mitunter schmerzhafte Beharren der alten Natur in der neuen. Er spürt den tiefen Schmerz des sich in etwas anderes Verwandelnden, das Bewusstsein, in einer Transmutation, die die Wurzeln des Universums selbst zu betreffen scheint, anders zu werden. Die Natur scheint von den Beben der vielen Kreaturen der Liebe und des Schmerzes durchzogen zu sein, die sie in ihrem Schoß verbirgt.

Hier offenbart die von ihm umrissene Welt, die scheinbar so an Formen und Oberflächen, an Farben gebunden ist, unerwartete Dimensionen: Das brillante Spiel der Oberflächen wird in einer einzigartigen Symbiose von einer unruhigen Sensibilität von Kreaturen begleitet, die in einer vom Menschen verratenen, verletzten, manipulierten, zerstörten, ausgelöschten und verzerrten Natur leben. Eine Natur, die, im Namen spekulativer Interessen „entnatürlicht“, Gefahr läuft, zur Feindin und Antagonistin zu werden.

Es scheint, als fänden diese Kreaturen in der Verwandlung den einzigen Ausweg aus einer unmöglichen Situation, einer absurden Leidenschaft: Im Anderswerden gegenüber einer unerträglich gewordenen Realität finden sie endlich ihre Erlösung.

Wie könnte man nicht an Ovids „Metamorphosen“ erinnern, die am Ursprung aller nachfolgenden Verwandlungsfantasien stehen, angefangen bei Dante, über D’Annunzio und seine Alcyone, die zur Pflanze unter Pflanzen zu werden scheint.

Ohne die Surrealisten zu vergessen: Magritte und Delvaux, auf die sich Rossetto auf der Ebene des Bildes erklärtermaßen beruft. Vom Surrealismus bleibt der mysteriöse Widerspruch zwischen der dominanten Fantastik des Ganzen und dem repräsentativen Realismus, ein Beherrschen der Technik ohne Manier, frei von den Zwängen einer Interpretation, die nur an die Form gebunden ist, und gebogen, um Bilder darzustellen, die die unbestimmte Konsistenz von Träumen haben.

Seine Gemälde sind zuweilen von biblischen Themen inspiriert („Prima del peccato“ – „Adamo ed Eva“), doch das pflanzliche Element fehlt nie, um eine selektive und unauslöschliche Harmonie mit der Natur und ihren Formen anzuzeigen.

Rossetto drückt in seinen Bildern das Surreale, das Unbewusste, den Traum aus.

Im Zentrum seiner Gemälde steht der Baum, der für ihn der Baum des Lebens ist und zum Ausdruck von Leben und Tod, von Geburt und Verfall, von Schuld und ihrer Sühne, von Eros und Thanatos, vom Garten Eden, in dem es keine Sünde gibt, wird.

Und aus dem Baum des Lebens entsteht immer eine Frau: die Frau, die das Leben gebiert und hütet, aber auch die Frau, die verführt, die sinnlich und spielerisch ist, die wie Eva in den Apfel beißt und Sünde oder Befreiung bedeutet.

Schon André Breton beschrieb in seinem „Manifest du Surréalisme“ den Traum, die Vision des Wahnsinns, als eine ebenso gültige Form der Realität, wie es das normale, vom Verstand kontrollierte Denken und Fühlen ist. P. Rossetto löst diese Gegensätze zwischen Traum und Realität nicht auf, sondern erweitert die Emotionalität und Ausdruckskraft in seinen Werken.

Wie die Surrealisten neue Techniken für ihre Werke nutzten, so wendet auch Rossetto diese zusammen mit traditionellen Techniken an.

In Rossettos Gemälden löst sich die Perspektive der Vernunft auf. Im magischen Verzweigen der Dinge übernimmt das surreale Sujet seine eigene Bedeutung. An die Stelle der äußeren, realen Welt tritt die Realität der Seele.

Wir sind es seit jeher gewohnt, die Natur in drei Reiche zu unterteilen: das Tier-, Pflanzen- und Mineralreich.

Rossetto zerstört Grenzen und Barrieren zwischen den Reichen, um uns ein einziges Universum zu präsentieren, von dem auch wir ein Teil sind.

Unter der aufmerksamen Begleitung der Meister Giuliano Brancaleoni und Kurt Mitterdorfer verfolgt Paolo Rossetto eine tiefgründige und sehr persönliche Innenschau.

Die Natur und die Wälder sind seine Quelle der Inspiration, doch es sind die Bäume seiner Heimat, die als vitales Symbol dienen, aus dem die Figuren Gestalt annehmen, die die wesentlichen Perioden und Momente seines Lebens repräsentieren.

In einem neuen, floralen Stil ist der Baum das Thema seiner Kompositionen, seine Linie ist die Locke (die Spirale).

Er stellt die symbolischen Objekte des Baumes dar, sein Sein als Kreuz, als Vermittler zwischen Himmel und Erde.

Er betont dessen bedeutsame Spannungen von Geschichte und Leben, die Analogien zum menschlichen Dasein…

Das durchgängige Leitmotiv ist seit jeher der Baum: das kahle, nackte Holz-Wesen in seinen Gliederungen und Entwicklungen, von der Wurzel zum Stamm, vom Stamm zu den Ästen, zu den Ästen der Äste.

Der vegetabile Baum und der anthropomorphe Baum, aber auch ein höchst symbolisches Element in seinen Torsionen, die, mal als Protagonist, mal mit ausgewogener Diskretion, das gesamte Gemälde durchziehen.